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Souvenez-vous de la première fois que vous avez manifesté votre intérêt pour la photographie. À peine avoir touché un appareil photo, que vous étiez bombardé de part et d’autre par des règles à suivre.
Vous devez faire ceci. Vous ne pouvez pas faire cela. Que des règles, des règles et encore des règles : et une fois que vous avez maîtrisé ces règles, eh bien !
Vous devez encore suivre d’autres règles. À dire que ça ne s’arrête jamais.
Dans la plupart des cas, ces règles (qui sont davantage des guides de conduite que des règles) sont bien intentionnées. Elles vous contraignent à prêter attention aux choses auxquelles vous pourriez ne pas encore avoir appris à prêter attention.
Elles vous forcent à développer des habitudes que vous pourrez appliquer par la suite chaque fois que vous attrapez un appareil photo.
Par exemple, la règle des tiers (comme nous devrions tous le savoir, n’est pas une règle) vous oblige à être attentif à votre composition dès vos débuts en photographie.
Elle vous confère un avantage considérable dans vos débuts, et avec le temps, vous commencerez à composer vos images sans même y penser. Dans ces cas, ces règles peuvent constituer des outils puissants pendant votre apprentissage.
Avec toutes ces règles et tant de gens qui en inventent sans cesse de nouvelles, il arrive que certaines d’entre elles n’aient aucun sens. Cet article traite de cinq règles de photographie de portrait qui sont très connues.
Bien que certaines d’entre elles aient du sens prime à bord, un examen plus approfondi démontre qu’elles sont pour la plupart arbitraires et une fois que vous avez compris ce qu’elles essayent de vous montrer ; vous devriez ; à mon avis, les éliminer de votre cahier de règles.
Avertissement : ce dont je vais parler dans cet article pourrait blesser la sensibilité de certains. Mais si vous vous sentez à l’aise avec ces règles, c’est très bien.
Tout ce que je vous demande, c’est d’examiner objectivement ces règles et d’évaluer leurs pertinences et si elles ont encore leur place. Si vous estimez que c’est le cas, n’hésitez pas à donner votre avis en commentaire.
Je serai plus qu’heureux d’échanger sur le sujet, je reste ouvert aux différents points de vue . Tout ce que je demande, c’est que cela soit fait dans le respect et la courtoisie.
Le Catchlight Doit Être Petit Et En Forme d'Anneau
Cette règle a presque toujours du sens quand on l’entend la première fois. À l’extérieur, à la lumière naturelle (à supposer qu’il y ait du soleil), le soleil apparaît comme une petite réflection de lumière en forme d’anneau dans les yeux du sujet.
Si c’est ce que fait le soleil, alors il est tout à fait normal d’avoir une lumière correspondante dans tous vos portraits. Après tout, tout ce qui est naturel est bon, n’est-ce pas ?
Voici le dilemme : combien de fois vous a-t-on dit dans les livres et les articles de photographie, ou dans des vidéos, que si vous voulez réaliser des portraits de qualité, il fallait éviter le soleil lorsqu’il est au zénith ? (Oui, je sais que lorsque le soleil est au zénith, il peut constituer une merveilleuse source de lumière, beaucoup d’auteur le disent. Et ils ont aussi raison). Une fois que vous quittez le soleil au zénith pour vous rendre dans un endroit où la lumière est plus douce (que ce soit à l’extérieur ou en studio), ces catchlights cessent d’être petits et ronds.
Qui dit lumière douce, fait généralement allusion à une grande source de lumière à proximité du sujet, que ce soit à travers une grande fenêtre ou un soft box, peu importe. Il en va de même lorsque vous réaliser votre portrait sous un ciel nuageux.
Dans de telles conditions, le catchligh couvre souvent la moitié de l’œil du sujet. Le catchlight est la réflection dans l’œil du sujet de la source lumineuse qui est tout ce qui se trouve au-dessus de l’horizon dans le champ de vision du sujet.
Vous voyez très certainement où se trouve la contradiction ici. D’une part, on vous dit que vous devez utiliser une lumière douce pour vos portraits. D’autre part, vous avez cette règle qui stipule que vos catchlight ne peuvent être que le résultat d’une lumière dure. Que doit-on comprendre en dernier ressort ?
Je ne sais pas pour vous, mais je suis un grand fan de mes grands diffuseurs et modificateurs ainsi que de la lumière douce qu’ils produisent, et je préfère continuer à les utiliser.
Maintenant, si vous êtes comme moi, et que vous aimez expérimenter différents types d’éclairage et voir les effets que celà produit dans vos portraits, vous ne serez pas trop tenté de respecter cette règle. Parfois, les résultats sont incroyables. Si vous suivez cette règle à la lettre, vous vous ôtez la possibilité de faire des découvertes, et vous vous limitez en termes de lumière que vous pouvez utiliser dans vos portraits.
Enfin, il faut prendre en compte les équipements spécialisés pour l’éclairage. Le plus évident est le ring flash, ou ringlight. Ce genre de lumière crée toujours un catchlight bizarre. Avec le ringlight, le catchlight apparaît sous forme d’anneau.
Vous Ne Devriez Avoir Qu'un Seul Catchlight
C’est une règle dont j’ai beaucoup entendu parler récemment. Elle est similaire à la précédente en ce sens que son objectif est de donner un aspect naturel à vos photos. Après tout, il n’y a qu’un seul soleil dans le ciel.
Là où je ne suis pas d’accord avec cette règle, c’est qu’à moins que vous fassiez vos portraits en plein air dans des endroits très bizarre (peut-être, mais peu probable, au désert noir d’Islande), vous n’aurez ; jamais une seule source de lumière. Tout ce qui se trouve à l’extérieur, renvoie de la lumière vers votre sujet.
Dans la plupart des cas, l’exposition issue de ces sources secondaires ne se rapprochera jamais de celle du soleil. Cependant, dans beaucoup d’autres cas, la scène peut agir et agit comme un réflecteur dans l’image.
Les bâtiments de couleur claire, les grandes fenêtres, les champs, le feuillage et l’herbe verte peuvent tous agir comme des sources de lumière secondaires et, le plus souvent, ajouteront un catchlight supplémentaire aux yeux de votre sujet.
Si vous photographiez une personne près d’un mur de couleur claire à sa droite et le soleil à sa gauche, vous avez deux sources de lumière avec deux catchlight. Selon cette règle, il n’est pas possible de réaliser un beau portrait dans ces conditions.
Si vous êtes en studio et utilisez un éclairage papillon et que vous désirez élever un tout petit peu les yeux de votre sujet avec un réflecteur, cela fait deux catchs lights. N’y pensez même pas si vous voulez respecter cette règle.
Si vous poussez cette idée un peu plus loin et désirez utiliser un éclairage plus compliqué ou plus créatif comme le clam Shell ou l’éclairage trois points, avec cette règle, n’y pensez même plus.
Tout comme la règle qui stipule que vous devez garder vos catchlight petit et en forme d’anneaux ; l’idée selon laquelle vous ne devez avoir qu’un seul catch light dans l’œil de votre sujet ne sert qu’à limiter les techniques que vous pouvez utiliser si vous voulez faire de la photographie correctement.
J’ai du mal à admettre qu’un photographe ne puisse pas utiliser une technique qui lui plaît juste parce qu’on lui a dit de suivre une règle que quelqu’un d’autre aurait inventée.
Techniquement parlant, Les Plans Très Serrés Ne Sont Pas Correctes Parce Qu’il Coupe La Tête Du Sujet.
Vous avez certainement beaucoup entendu parler de cette règle. “Ne coupez pas la tête de votre sujet.”
“Ne coupez pas la tête de votre sujet.” C’est certainement la première règle que la personne qui vous a vendu votre premier appareil photo a dû vous communiquer.
Dans la plupart des cas, cette règle a toute sa place. Ça rappelle l’époque où vous deviez remettre l’appareil photo à quelqu’un, généralement un appareil photo jetable dans mon cas, pour qu’il prenne une photo de vous.
Une fois le film développé, vous pouviez être à peu près sûre qu’il vous manquerait la moitié de la tête et qu’il y aurait un grand espace vide sous vos pieds. Il est tout à fait logique qu’on veuille éviter ce genre de photos.
Partant de là ; coupé la partie supérieure de la tête d’un sujet pourrait sembler bizarre. Même si ce n’est pas toujours le cas, il est préférable de l’éviter jusqu’à ce que vous compreniez quand cela fonctionne et quand cela ne fonctionne pas.
Ici, la question se pose surtout dans le cas des plans très serrés . Il n’est pas rare d’entendre quelqu’un critiquer un portrait rapproché affirmant qu’il est techniquement incorrect ; pour la simple et unique raison qu’il lui manque le haut du crâne.
En gros, c’est pousser le guide à ne pas couper les têtes à l’extrême et écarter complètement un genre photographique qui n’est pas très rare.
Lors de la création d’un plan très serré, vous vous focalisez sur une caractéristique spécifique du sujet et faites d’elle la base de votre composition.
Il ne vous reste donc plus assez d’espace dans le cadre pour les détails erronés comme le haut du crâne. En fait, inclure ces détails dans le cadre serait renoncé à avoir un gros plan très serré.
Je vous encourage à vous poser cette question : À quoi ressembleraient le cinéma et la télévision si les cinéastes suivaient cette règle ?
Ce qu’il faut retenir ici, c’est que lorsque vous créez un portrait classique « plan poitrine/buste » ; Coupé à mi-bras, entre l’épaule et le coude, il est bon de ne pas couper la tête du sujet. Cependant, lorsque vous vous optez pour un plan très serré, oubliez un peu cette règle. L’espace dont vous disposez dans votre cadre est précieux ; ne le gaspillez pas.
Techniquement Parlant, Un Portrait Sans Contact Visuel Du Sujet Est Incorrect.
Cette règle stipule que lorsque vous avez un sujet dans votre cadre, son regard doit être dirigé vers l’appareil photo sinon votre photo ne sera pas réussie. Heureusement, cette règle a semblé s’estomper au cours des dernières années.
Si votre objectif est de réaliser un portrait de face, alors oui, il est tout à fait normal que vous vous assuriez que le regard de votre sujet soit orienté vers votre objectif.
De même ; si votre but est de créer une image commerciale où l’intention est de faire en sorte que celui qui regarde la photo se sente personnellement interpellé par le personnage dans la photo. Alors, encore une fois, oui, vous avez raison de rechercher le contact visuel de votre sujet.
Le problème, c’est que le portrait est un genre photographique tellement vaste, avec une multitude d’approches. Si vous faites par exemple de la photographie de rue et que vous faites beaucoup de portraits candides, vous n’aurez probablement pas beaucoup de contact visuel. Vos sujets seront engagés dans d’autres activités et leur regard sera certainement orienté vers quelque chose d’autre ou vers quelqu’un d’autre.
Si vous souhaitez transmettre une certaine émotion à travers vos portraits ; l’un des moyens les plus rapides et les plus faciles de le faire est de faire en sorte que votre sujet soit en interaction avec quelque chose qui se trouve en dehors du cadre de l’appareil photo.
Si vous souhaitez donner l’impression que votre sujet est en contact, d’une manière ou d’une autre, avec son environnement, il doit interagir avec celui-ci.
Si votre souhait est d’évoquer un sentiment de nostalgie ou toute autre émotion interne, avoir un sujet qui regarde droit dans l’appareil photo rend la tâche plus ardue.
L’autre aspect de cette règle est qu’elle rejette fermement l’idée selon laquelle vous pouvez avoir des portraits dans lesquels les sujets ont les yeux fermés.
Le fait d’avoir un sujet ayant les yeux fermés peut être un puissant moyen de communiquer de l’émotion dans vos portraits. Même s’il ne faut pas en abuser, il n’y a aucune raison de ne pas l’utiliser librement lorsque l’occasion se présente.
Comme exemple, ouvrez n’importe quel magazine de mode et cherchez les annonces de beauté. Vous remarquerez que lorsque le maquillage des yeux est mis en avant, les yeux du sujet sont souvent fermés. Pour moi, il est difficile de croire que ces images haut de gamme réalisées par certains des meilleurs photographes au monde soient techniquement incorrectes parce qu’elles utilisent l’outil nécessaire pour transmettre un message spécifique.
Il serait peut-être mieux de dire que cette règle devrait être ajustée. Ainsi ; au lieu de dire que votre sujet devrait avoir un contact visuel avec l’appareil photo, on ferait mieux de dire que votre sujet devrait avoir un contact visuel avec quelque chose ; qu’elle soit visible ou non par la personne qui regarde l’image.
De toutes les règles débattues dans cet article, celle-ci est peut-être la moins évidente au regard des raisons pour lesquelles elle ne devrait pas constituer une règle. Si vous la prenez au pied de la lettre, les reflets spéculaires sont considérés comme une distraction lorsqu’ils surgissent sur la peau du sujet.
Les endroits où on a le plus de chance de les voir apparaître sont le nez et le front. En cas de faible luminosité, ces reflets spéculaires peuvent être de forme irrégulières et pas très jolies à voir. Mais ça ne veut pas dire que les reflets spéculaires sont mauvais ou qu’ils faillent absolument les éviter.
Comme les ombres, les reflets spéculaires indiquent la profondeur et le contraste, ils aident à modeler et à donner un aspect tridimentionnel au sujet. À moins d’utiliser une lumière extrêmement douce, l’absence de reflets spéculaires est souvent le signe que la lumière est plate.
Combien de fois avez-vous lu ou entendu qu’il fallait éviter un éclairage plat ? Plusieurs fois, j’imagine. Pourtant, nous avons cette règle qui insiste pour dire que vous devez utiliser un éclairage plat, ou que vous devez utiliser une lumière si douce qu’elle supprime tout contraste dans vos portraits.
Si vous voulez créer des images avec un aspect tridimensionnel, avec un contraste naturel, vous devez éviter de supprimer les reflets spéculaires de vos images. Au lieu de cela, contrôlez-les.
Vous pouvez utiliser des diffuseurs et la position de l’éclairage pour modifier et contrôler leur forme et leur exposition. L’essentiel est de veiller à ce que les reflets spéculaires ne soient pas surexposés et qu’ils n’aient pas une forme irrégulière.
Essayez de garder les transitions entre les hautes lumières spéculaires et les hautes lumières lisses et graduées comme vous le feriez pour les transitions entre les ombres. Cela vous permettra d’obtenir des images agréables et naturelles, pleines de profondeur et de contraste.
Un petit clin d’œil aux reflets spéculaires, il est important de mentionner le maquillage. Les maquillages qui mettent intentionnellement l’accent sur les pommettes des femmes est désormais très courant.
Si vous tenez à vos relations de travail avec les maquilleurs et les mannequins ou si vous voulez garder une cliente qui se fait maquiller de cette façon, n’enlevez pas ces reflets.
En fait, pensez à faire des efforts pour les mettre en valeur. Non seulement le maquillage est coûteux, mais c’est une technique délicate à mettre en œuvre.
Enlever le reflet avec des techniques d’éclairage ou Photoshop nuira à l’effort qui a été consenti pour les créer. Bien vouloir éviter de le faire, non pas à cause d’une règle arbitraire, mais par respect pour l’effort qui a été consenti pour les mettre en évidence.
Voilà, Vous Y Êtes.
Si vous êtes arrivé jusqu’ici, vous comprenez pourquoi il est important de jeter un regard objectif sur certaines règles.
Même si vous n’êtes pas d’accord avec ma perception de ces règles ; je vous invite fortement à vous interroger sur l’origine de chacune des règles que vous rencontrez, ce qu’elle vise et en quoi est-ce qu’elle vous aide dans ce que vous désirez réaliser.
Dans cet article, je me suis focalisé sur un petit nombre de règles de photographie de portrait ; n’hésitez pas à discuter dans les commentaires d’autres règles photographiques qui n’ont pas leur place dans votre genre, ou quelles règles vous estimez devoir être suivies à tout prix.
