Ce site contient des liens d'affiliation pour lesquels nous pourrions être rémunérés.On vous explique tout ici.
Les règles de la photographie font partie de celles qui sont le plus souvent contestées. Bien sûr que ces règles ont leur raison d’être.
Nos yeux trouvent plus logique de regarder une scène qui suit la règle des tiers. Selon la théorie des couleurs, le rouge et le bleu contrastent très bien. Tous les tutoriels sur les gels le prouvent.
Comment les règles de la photographie sont-elles apparues ?
Il est difficile de déterminer l’origine des règles de la photographie ; après tout, il ne s’agit pas d’un texte religieux. On ne peut pas être en désaccord avec la bible de la photographie, car une bible de la photographie n’existe pas.
Mes propres pérégrinations m’ont amené à penser que les règles de la photographie sont issues des arts visuels classiques, des modèles lumineux de la nature et de la théorie des couleurs.
Règles classiques que vous devriez briser
La règle des tiers
C’est l’une des règles les plus galvaudée en photographie. Il y a des raisons valables de la suivre : elle permet une composition facile et sans effort qui est agréable à regarder. Cependant, le monde de l’art compte des millions et des millions de photos, de peintures et d’autres œuvres qui appliquent exactement la même règle des tiers.
Dans certains cas, la règle des tiers est tout simplement inapplicable. Ainsi, en suivant cette technique de composition, vous vous limitez non seulement à un cliché, mais aussi à quelque chose qui n’est pas universellement applicable. Prenez l’une de mes images de mode comme exemple : la règle des tiers est difficile à appliquer en gros plan dans une photographie de beauté.
Un excellent moyen de briser la règle des tiers est d’étudier le design graphique. Dans la plupart des cas, tous les photographes sont confrontés à un rectangle à remplir. Apprendre les différentes façons dont les graphistes envisagent cette tâche peut vous aider à être plus créatif en matière de composition et à voir la photographie sous un angle différent. Au final, cela améliorera votre travail.
Une bonne exposition est essentielle. La plupart des débutants apprendront à exposer de manière à ce que l’image dans son ensemble soit agréable à l’œil. La plupart du temps, il s’agit de ce que dit la mesure d’exposition, pas nécessairement de votre désir artistique.
Dans de nombreux cas, les indications de l’appareil ne correspondent pas aux exigences de la scène. Par exemple, de nombreuses salles de concert sont équipées de lumières directionnelles dures orientées vers l’artiste ; elles sont très lumineuses par rapport au reste.
La mesure d’exposition tentera d’uniformiser la scène ; ce qui rendra l’artiste moins visible. La prise de vue en mode manuel est la solution pour enfreindre les règles habituelles d’exposition afin d’obtenir ce que vous désirez en tant que photographe créatif.
l'Éclairage
Les règles d’éclairage sont pratiquement gravées dans le marbre. Ils sont dérivés de quelque chose de visuellement agréable et naturel. Par exemple, la columelle (où se trouvent les narines) doit toujours être plus sombre que l’arête du nez. Un autre concept, peut-être plus stupide, est que la lumière de haute qualité est douce et diffuse. Définir certaines choses comme une bonne lumière et d’autres comme une mauvaise lumière est problématique.
La lumière diffuse douce est bonne, la lumière spéculaire dure est mauvaise. Cela empêche à son tour les créateurs de devenir vraiment créatifs avec l’éclairage, car personne ne veut créer un mauvais éclairage.
Bien sûr, pour les portraits, la lumière vive n’est pas très flatteuse pour la plupart des visages. Cependant, la lumière dure a toujours sa place en photographie. Par exemple, une lumière forte est souvent le meilleur choix pour accentuer la texture des tissus.
La lumière dure est également utilisée dans les publicités pour les bijoux. La lumière dure permet de montrer tous les détails complexes de ces accessoires, ce qui est très recherché par les directeurs artistiques.
Une autre règle d’éclairage consiste à utiliser des configurations d’éclairage. Par exemple, il existe des règles claires sur la façon d’avoir une lumière annulaire ou de créer une configuration d’éclairage pour la photographie de beauté. Une configuration classique pour éclairage beauté consiste en un bol beauté en haut, un réflecteur en bas et deux boîtes à lumière sur les côtés pour faire ressortir l’arrière-plan.
Malheureusement, de nombreux photographes novices, moi y compris, finissent par créer des travaux similaires en termes d’éclairage. Il en résulte un portefeuille monotone qui n’est peut-être pas aussi intéressant à regarder.
En enfreignant les règles qui définissent ce qu’est un ” éclairage beauté classique”, vous pouvez non seulement ajouter du style et de l’originalité à votre travail, mais aussi du style et de l’originalité aux portefeuilles respectifs de votre équipe, car ils disposent probablement de centaines de photos ayant la même configuration.
Le Bol Beauté est uniquement destiné à la photographie de beauté
Enfin, il semble y avoir un consensus sur le fait qu’un bol beauté n’est qu’un modificateur à utiliser pour la photographie de beauté. Personne ne pense à un bol beauté lorsqu’il s’agit d’éclairer un arrière-plan.
Il est intéressant de noter qu’une série de bol beauté peut créer un arrière-plan lumineux uniforme très efficace. Albert Watson est connu pour utiliser un bol beauté pour l’éclairage de fond, le portrait, la mode et tout ce qui se trouve entre les deux.
Recadrage
J’étais totalement convaincu que le recadrage était un signe de mauvaise photographie. Pendant longtemps, si on me demandait de recadrer une image, je refusais catégoriquement et j’étais frustré.
Cependant, après être passé à la mode commerciale et éditoriale, j’ai vite compris que le recadrage pour différents supports fait partie du travail. Aujourd’hui, je prends des photos pour pouvoir les recadrer sur différents supports tout en respectant les concepts de base de la conception graphique.
Il est vrai que tout devrait être parfait à la sortie de l’appareil photo, mais ce n’est pas toujours possible. La retouche d’images existe depuis plus d’un siècle. Être technicien de labo photo ou retoucheur est considéré comme un métier créatif.
Lorsque je le peux, je donne aux retoucheurs une grande liberté de création afin qu’ils puissent donner vie à leur vision. Presque toujours, le résultat est supérieur à ce que j’imaginais au départ. Le recadrage est l’un des outils créatifs, alors pourquoi ne pas l’utiliser ?
Conclusion
Comme pour beaucoup de mes articles, dans la dernière section, je voudrais présenter un point de vue différent. Les règles doivent être apprises avant d’être transgressées. Comme pour la composition musicale : vous devez d’abord apprendre la méthode générale de progression d’accords, et ensuite seulement, on peut écrire un morceau qui n’est rien d’autre que 4 :33 de silence.
Par conséquent, ne prenez pas cet article comme un appel à briser les règles sans même savoir ce qu’elles sont. Au contraire, prenez cet article comme une source d’inspiration pour vous écarter de ce que vous faites habituellement et explorer des approches non conventionnelles de la création d’images.
